王谦美术摄影-大师工作室

一笔水墨架心桥！泰国学子体验中国山水画之美

Thu, 12 Nov 2026 19:54:20 +0800

11 月 11 日，我校 “中文 + 智能制造” 泰国大城技术学院、北柳技术学院的师生来华培训班研学活动在建工学院开展中国画文化体验课，建工学院王谦老师为泰国大学生带来一堂生动的国画讲座与山水画实操体验，让远道而来的泰国学子沉浸式感受水墨丹青的东方美学。

讲座上，王谦老师以通俗易懂的方式，介绍中国画的文化内涵、文房四宝与山水画基础笔墨语言，结合经典作品解读留白、写意等独有的艺术理念，打通语言壁垒，讲解山水构图、运笔用墨的基础技法。零基础的泰国学生认真聆听，不时交流提问。

实操环节，同学们铺纸蘸墨，尝试勾勒山石、树木，在一笔一画中感受毛笔的变化。不少同学完成了属于自己的第一幅山水小品，现场气氛轻松热烈。大家纷纷表示，国画意境悠远，体验新奇有趣，感受到中华传统文化独特魅力。

本次活动依托学校 “中泰和合丝路学院” 交流平台，是 “中文 + 职业技能” 研学项目的文化体验环节。以国画为纽带，搭建中泰青年文化互鉴桥梁，在笔墨交流中增进友谊，推动和合文化与中华优秀传统文化对外传播。

山水画绘制步骤精讲，步骤清晰，太想跟着画一幅了！

Tue, 03 Nov 2026 14:09:29 +0800

山水画蕴含着以山为德、水为性的内在修为意识，蕴含着中国一些古代文人愿远离官场，纵情于山水之间的传统精神。中国山水画除了有美的追求外，更高层次是“天人合一”。

第一步：起稿，先从山脚开始画起，注意用笔的线条质感，实践练习笔墨形质的知识点，找准线条质感，控制水分。

第二步：画出两棵树木，注意每块石头彼此之间的关系，要先画前面的，再画后面有遮挡的，就利于表现结构的层次感了，这里要画出树木从石头缝隙里生长出来的感觉，因此树根的细节，要耐心刻画。

第三步：现在中间的这一组山石树木就先画到这个程度，不要在一个局部刻画太久，应该先把整体的走势布局确定出来，再进行局部细节刻画。顺势画左侧山石，两组石头之间要留一个空隙，这里要画一条山路。左侧树木一样画法。

第四步：左侧山路画出，石头略加皴擦。需要把右侧的山石定位，看好比例，根据之前的构图分析，找准彼此之间的参照关系。

第五步：这一个局部的关系确定，画出瀑布、水流和房屋建筑，把房屋边的地面和杂树丛略加表现，近景的部分就基本确定了，根据比例，留出中远景的位置。

第六步：根据近浓远淡和近实远虚的规律，中景的山石要使用略淡一些的墨色，尤其是靠近房屋的山石部分，不只是墨色略淡，还要注意用笔虚一些，这样既拉开了层次，又可以使房屋更加醒目。

第七步：接着勾勒中景的山石，适当的皴擦出内部结构，这里是一个平台，要把山体和平台之间的转折关系表现出来，同时，时刻注意保持笔触线条的质感。

第八步：远景的山石，墨色应该更淡一些，内部结构不要皴擦的太多太实，远山位置很重要，因为中远景之间是辽阔的水面，远山的位置，决定了水面的走势和面积，顺势用淡墨擦出水波。

第九步：现在画面中主体的部分基本都已确定，可以开始逐步完善细节了，山石结构进一步加皴擦，累积墨色，同时，画出杂树和苔点，使层次更加分明。

第十步：进一步细致刻画，画山水，就是要大胆落墨，细心收拾，往往细节决定成败，所以每一个苔点、每一根树枝，每一个线条，都要用心画到位。杂树的点叶，要有浓淡层次，包括苔点，都要用不同的墨色，多次点成。夹叶的勾画，要有写意画法的洒脱，不可过于工谨。

第十一步：勾勒皴擦的笔触累积多遍以后，可以用淡墨点染，染时不能像刷子一样平涂，而是用大笔，顺着之前皴擦的笔触，有方向的染，皴擦多的地方，可以适当的多染几遍，整幅画的浓淡对比就会更加鲜明，点树叶时，要注意树冠外轮廓，呈现参差不齐之美。

第十二步：淡墨染到这个程度的时候，就可以染颜色了，注意山势的表现，要以皴擦的笔触为主，这就好比山石的骨骼，要先立骨，再长肉。无论是淡墨还是淡色，都要染在皴擦已足够的笔触上。这幅步骤图，中间一块石头是染了淡禇墨色的，可以和周围的石头对比着看，了解淡禇墨色要染到什么样的浓淡程度。淡禇墨色，是用赭石加入淡墨和大量水调和成的颜色。

第十三步：山石薄染淡禇墨色，因为赭石是矿物质颜料，有较强的遮盖力，所以一定要多加水，薄染，一遍不够可以再染，不能一次染的太浓，如墨线仍然有所遮挡，可以等颜色干后，再用墨笔适当加皴擦。

第十四步：山石和树叶、苔点染淡绿色，绿色是用花青加藤黄和淡墨，略加一点石绿调成，加大量水薄染，山石染淡绿色时，不要整体都染，而是只染局部比如苔草多的地方，要趁之前的淡禇墨色未干时点染，两色可以更加融合自然，苔点、树叶染时，要注意轮廓边界，应该逐渐虚淡。

第十五步：水面用花青略多些的绿色来擦染，水波必须是先用淡墨擦出纹理的，才能染色，树干用略浓的禇墨色染，夹叶要染石绿色，叶片的颜色可以直接调的浓一些，能让夹叶的色调更明亮。

第十六步：细节详细刻画，最远处的远山用淡花青加淡墨用大笔染出，水面用细笔画小船一只，船底淡墨擦一下，船和房屋略染淡赭石，前景左侧山路，染石绿色，因为是春景，树枝上可以略点石绿，前景画出水草，草叶方向要有错落变化。最后整理，完成。

日本版画如何点燃印象派

Sun, 01 Nov 2026 21:47:46 +0800

1867年巴黎万国博览会上，日本馆的展品里堆着大量浮世绘。这些在日本本土已近穷途的木版画，当时被当作商品包装的填充物，甚至随瓷器、茶叶一同论斤打包出口。欧洲商人拆箱时常常顺手把纸扔在一边，画家们却把它捡了起来。

十九世纪中叶的巴黎画坛正陷入困局：学院派要求画面光洁、形体明确、轮廓规整，安格尔式的线条被视为不可逾越的标准。而浮世绘恰恰在每一个标准上都“违规”——平涂的色块、粗黑的轮廓线、被裁切掉一半的人物、空得一塌糊涂的天空。这种异质的视觉逻辑对年轻画家来说不是瑕疵，是出路。

1865年前后，马奈画了《奥林匹亚》。画面里没有任何过渡阴影的身体、被床单与披肩切断的构图，被保守的评论家骂作“太平、太硬、像扑克牌”。而同年他创作的《穿武士服的青年》，背景直接挂着一张相扑力士的浮世绘。他不掩饰自己的来源。

更直接的影响来自葛饰北斋与歌川广重。北斋的《富岳三十六景》里，前景常被一个巨大的、与主题无关的物体占据：一只桶、一架风车、帘子后的半张脸。《凯风快晴》里那座赤红的富士，几乎就是一个几何三角形加几条分割线。这种“把一个简洁形状推到画面中心、再抽掉所有多余细节”的做法，给了欧洲画家极大震动。

莫奈在1871年绘制《穿日本和服的女子》，妻子卡米尔举着一把团扇；凡·高1887年临摹了广重的《大桥骤雨》与《龟户梅屋铺》，用油彩一笔一笔复刻永字亭的桥与雨丝，还在给弟弟的信里兴奋地说：这些日本画“像呼吸一样简单”。

印象派到底学到了什么

把影响条目化会更清楚。第一是“取消中间的调子”：欧洲传统用大量灰调过渡明暗，浮世绘用几个纯色块直接并置，画面的明快来自对比，不来自渐变。第二是“线的作用被重新发现”：轮廓不再是形体结束后留下的边，而是独立有力的造型语言。第三是“构图可以被截断”：德加画芭蕾舞者、劳特累克画夜总会海报，人物常在画框边缘被切掉，画面像是从更大的现实中随手取下的一块。

第四是“题材的平民化”：浮世绘版画的核心客户是江户的町人阶层，题材是歌舞伎演员、美人、名所与市井生活。它证明了“日常”本身可以是一等一的绘画主题。这在欧洲并非无人主张，但浮世绘提供了一个活生生的、成体系的先例。

这四条，构成了后来被称作“日本主义”的潮流。它不是一个画派，而是一种全欧洲共享的视觉资源。

1872年，艺术评论家菲利普·比尔蒂写出《日本艺术》，把这种异国情调系统地推向市场，“日本主义”自此成为画商与评论家的常用词。日语里的“浮世”原写作“忧世”，后来被谐音改成“浮世”，意为浮华流转的现世，带着对短暂享乐的坦然。这层意思译成欧洲语境里的“日本式装饰”时，大半丢掉了。

误读并不妨碍它结出果实。惠斯勒的《灰与黑的排列：艺术家母亲的肖像》把画面压成扁平的灰黑布局，母亲被处理成近乎侧面的剪影，标题干脆用音乐术语命名；他设计“孔雀厅”时摆满青花瓷与日本漆器，谈的都是色调与和谐。这批画家未必读懂了浮世绘的江户语境，但他们拿到了自己需要的东西——一种以“关系”而非“叙述”组织画面的方法。

再往后看，抽象表现主义把东方书写的速度感接了过去。马克·托比、弗朗兹·克莱因的粗黑线条，都能追到这条线上。艺术史上真正有效的交流，常常是从误读开始的：准确的转述只带来模仿，而误读会逼出新语法。

值得注意的是，日本这一边并不好过。明治维新后，西方照相术与石版印刷大量进入日本，江户时代的浮世绘需求急剧萎缩。日本艺术界一度以“脱亚入欧”为主流，浮世绘被视作过时的民间印刷品，大批版木被当作柴火烧掉，原版毁弃无数。

讽刺的是，正是欧洲人对浮世绘的狂热，在1880年代反向刺激了日本国内对本国传统的重新评估。1887年，东京的日本美术协会开始系统收藏浮世绘；冈仓天心在《茶之书》里向西方解释东方美学时，用的正是这种“我们从外面看到了自己”的视角。艺术的价值判断，有时候需要绕一个地球才完成。

今天的读者还能从这段往事里拿到什么

第一，看画时可以留意“缺少的部分”。安藤广重画雪景，大片空白不是没画完，而是把“寂静”直接压进纸里。印象派与后来的极简主义，都在学这件事：留白是主动的设计，不是舍不得材料。

第二，别急着给风格贴上国籍或流派标签。凡·高的《唐吉老爹》背景里画着北斋的富士与广重的樱花，那不是“东方元素装饰”，而是他在表达一种立场——他认为自己与这些日本画家在做同一件事：用眼睛直接面对世界。

第三，最好的学习往往来自“看不懂”的东西。1867年那些差点被丢进垃圾桶的包装纸，最终改变了西方绘画的走向。今天的创作者面对的短视频、AI生图、游戏视觉，未必都能看懂，但里面可能就躺着下一个时代的语法。

党建引领三方协同共筑和合善治家园

Wed, 28 Oct 2026 10:46:28 +0800

10 月 27 日下午，椒江区召开 “三方协同和合善治” 工作座谈会，区委书记陈永兵主持会议并讲话，区领导倪国正、罗华、杨利明、丁海顺、屈亚军、各街道负责人参加。

会上，相关职能部门汇报工作进展，街道、社区、业委会代表交流小区治理堵点难点。市人大代表、文景苑小区业委会代表、台州职业技术学院教师王谦结合小区自治实践发言，围绕业委会规范运行、公共收益监管、物业履约监督、居民诉求响应等实际问题建言献策，分享基层自治经验，提出协同破解治理难题的思路。

陈永兵强调，小区是基层治理最小单元，要坚持党建引领、服务至上、和合善治、共建共享，聚焦十方面突出问题靶向攻坚，建强基层治理 “铁三角”，完善业委会激励、物业信用监管、“业财街理” 监管等机制，推动资源下沉小区，擦亮 “安居悦城” 金名片，打造可复制推广的椒江基层治理样板。

建筑装饰专业 26 级新生构成设计第一批作业成果

Mon, 26 Oct 2026 11:22:31 +0800

近日，建筑装饰专业 26 级新生《构成设计》课程第一批作业顺利完成。作为新生入学后接触的首门专业基础课，构成设计承担着搭建设计思维、夯实造型基础的重要作用，这批作业是同学们踏入建筑装饰设计领域交出的第一份答卷，展现出新生鲜活的创意活力与踏实的学习风貌。

构成设计是建筑装饰专业的基石课程，围绕点、线、面、体等基本造型要素，学习重复、渐变、对比、节奏、虚实等形式美法则，分为平面构成、色彩构成、立体构成三大训练模块。课程初期，不少同学刚刚接触设计，对抽象造型、秩序逻辑较为陌生。工作室王谦老师从基础理论入手，结合建筑装饰案例拆解构成原理，分步示范草图绘制、材料试验、模型制作方法，引导学生跳出具象绘画思维，学会理性组织形态、营造空间秩序。

本次作业风格丰富多样。平面构成作品中，同学们以黑白点线面，几何图形排布，探索疏密、动静的视觉节奏，有的简约克制，有的富有动感；尝试把抽象构成语言转化为空间感知。因为是第一次作业，作业的尺寸规范和张贴格式都作了严格要求，虽然部分作品尚显稚嫩，细节处理仍有提升空间，但每一件都饱含独立思考，能看出同学们反复修改、不断打磨的过程。

作业讲评环节，王老师对部分作品进行点评，肯定创意亮点，指出构图失衡、结构不稳、材料运用生硬等共性问题，组织学生互相观摩交流。同学们在讲评中拓宽思路，认识到构成美并非单纯追求视觉好看，而是服务于空间、秩序与功能，为后续室内空间设计、装饰造型、材料应用等课程做好铺垫。

不愧是央美教师的素描，不得不服！

Sat, 24 Oct 2026 20:08:30 +0800

这幅素描作品出自央美教师郭宏亮之手，他的素描功底在业内素有"素描狂魔"之称，确实名不虚传。

从画面来看，郭宏亮的素描最令人叹服的是其扎实的造型能力。他严格遵循"方圆塑造原理"来处理形体，每一处转折都清晰明确，不拖泥带水。画面中的黑白灰关系处理得极为明亮通透——暗部重而不死，保留了丰富的层次；亮部干净利落，没有多余的脏色；中间灰色调过渡自然，层次感极强。

更难得的是，他的画风不炫技、重本质。画面中没有花哨的排线和装饰性的笔触，所有的塑造都建立在对结构和光影的深刻理解之上。这种"细而不腻"的处理方式，让作品既有细腻的质感，又不失整体的气韵。

作为央美科班出身的教师，郭宏亮2002年曾以素描95分的状元成绩考入中央美术学院，后留校任教。他的作品之所以值得反复观摩，正是因为其中蕴含着正统的学院派素描意识——形、体、面、光四者高度统一，每一笔都在为塑造体积服务，堪称素描学习的典范之作。

望潮客户端报道王谦老师：专业赋能社区教育

Sat, 24 Oct 2026 09:35:11 +0800

近日，望潮客户端以《专业赋能社区教育服务传递银龄温度》为题，对台州职业技术学院建筑工程学院教师、王谦美术摄影大师工作室负责人王谦老师走进椒江区新景社区开展老年教育的事迹进行了报道。

报道指出，9月11日，王谦老师走进新景社区，面向社区老年居民开展手机摄影与小视频课程培训，将专业知识与技能服务送到居民身边。王谦老师现任台州市人大代表、建筑工程学院建筑装饰专业专任教师，长期从事美术与艺术设计教学研究工作，曾担任第二、三届台州市艺术设计协会会长，多部作品入选教育部职业院校师生作品展览，荣获浙江省学科教师技能比赛二等奖等荣誉。

培训中，王谦老师充分考虑老年群体的学习特点，将专业知识转化为贴近生活、便于理解的课程内容，重点讲解手机摄影基础操作、构图技巧及短视频拍摄方法，帮助老年居民在体验与学习中提升技能、丰富退休生活。现场学习氛围浓厚，学员们认真听讲、积极实操，纷纷表示课程干货满满、简单易学。

望潮客户端评价称，此次培训是高校主动对接社区需求、拓展社会服务功能的一次具体实践，充分展现了王谦老师发挥专业特长、依托工作室开展公益服务的责任担当。报道还提到，下一步台州职业技术学院建筑工程学院将继续鼓励教师发挥专业优势，推动优质教育资源下沉基层，为提升社区服务品质、丰富居民精神文化生活贡献高校力量。

花卉绘画入门：从形体拆解到光影塑造

Wed, 21 Oct 2026 18:53:56 +0800

想要学会画花，首要的核心是学会观察花朵的基础结构。很多初学者一上来就被繁复交错的花瓣迷惑，其实不必盯着细碎复杂的花瓣细节不放，我们可以把每一片花瓣，概括成椭圆、正圆、三角这类简单的几何形体，挑选和花瓣形态最贴合的形状去概括它。如果是刚入门、想要稳步学好花卉绘画的爱好者，建议先从造型简洁、结构清晰的雏菊、向日葵练手，熟练之后，再去挑战层次繁复的玫瑰这类难度更高的花卉。以雏菊举例：它的花盘是扁平的圆盘结构，细长的花瓣以花心为原点，向四周放射生长。还有一类是圆锥状花序，像百合、丁香、风信子这类单茎着花的品种，整体花簇就呈现出圆锥形态。还有一些花，是由无数小型圆锥小花聚集而成，所有小花组合在一起，整体轮廓会形成饱满的球形。我们在观察这些花卉的时候，第一眼看到的往往是层层叠叠的花瓣，但不能仅仅把花朵看作一堆花瓣、纹路与色彩的集合。学会拆解，把花朵归纳成圆盘、圆锥、球体等基础几何体，才是画好花的第一步。

动笔绘画的过程里，不用面面俱到刻画所有花瓣，优先抓住能够体现花朵体积感、动态姿态的几片代表性花瓣，精准勾勒整体的基础形体与生长姿态。刻画花卉时，适度的简化取舍十分关键，同时我们要牢牢记住每一种花独有的外形特征。拿玫瑰来说，层层包裹的花瓣之间会形成错落的阴影，非常适合用来训练我们对明度细微变化的观察能力。画玫瑰这类包裹式花朵，推荐从外侧的花瓣起笔，向着花心方向逐步向内绘制，更容易理清花瓣前后遮挡、互相重叠的关系。往花心推进绘制的时候，新画的花瓣色彩，也能和外层花瓣自然衔接、柔和叠加。

刚开始铺色塑造的时候，可以试着放下 “这是一片花瓣” 的固有想法，把眼前的色块当成自由的造型与阴影区域来处理，重点留意花瓣和花瓣衔接处的柔和过渡，仔细观察相邻的两种色彩如何交融渗透。绘画起步阶段，孤立的花瓣四周大多留白，这会让我们笔下的颜色看起来比花朵本身实际颜色更深；随着向内绘制，花瓣不断被其他花瓣包裹叠加，花瓣本身固有色会更加凸显，画面的明暗色调也随之产生丰富变化。所以绘画间隙，要时常后退拉开距离，整体比对整张画面的明暗层次，及时调整明度关系。

花朵本身是立体的球状结构，这就意味着一部分花瓣受光明亮，另一部分花瓣藏在阴影之中。动笔前先确定光源方向，才能合理安排高光、亮面、阴影的位置，塑造真实的立体感。想要画出舒服自然的空间层次，花瓣与花瓣相互交接的缝隙位置需要重点刻画。同时留心花瓣内外的明暗对比：花瓣靠近花心的内侧，光线更难抵达，色调通常会逐步加深。

最后不要忽略花瓣边缘的细节。不少花瓣的边缘会自然翻卷、弯折，卷曲位置会形成利落又灵动的短阴影，抓住这个小特点，花朵会摆脱扁平感，变得鲜活生动。

王谦老师获聘《摄影与摄像》杂志社特约摄影师

Fri, 16 Oct 2026 09:18:38 +0800

近日，王谦美术摄影大师工作室项目主持人王谦老师收到《摄影与摄像》杂志社颁发的聘书与证件，正式受聘为该社特约摄影师。这份来自国家级专业期刊的聘任，既是对其个人摄影创作水平与艺术素养的认可，也为工作室搭建起一个面向全国的影像展示与专业交流平台。

《摄影与摄像》杂志创刊于1995年2月，由中国科学技术协会主管、中国科教电影电视协会主办，是我国第一本同时涵括摄影与摄像内容、国内外公开发行的国家级刊物，国际标准刊号ISSN 1006-4788，国内统一刊号CN 11-3625/TB。杂志坚持普及与提高相结合、技术与艺术并重，在摄影摄像行业从业者与高校师生中具有广泛影响。据杂志社介绍，受聘特约摄影师后，优秀作品可在《摄影与摄像》杂志免费刊发，并有机会受邀参与杂志社组织的采风创作、影展交流、大师讲堂等活动。

作为台州职业技术学院王谦美术摄影大师工作室项目主持人，王谦老师长期扎根美术、设计、摄影教学一线，坚持"以美育人、以影传情"，把课堂搬到拍摄现场，用镜头语言引导学生理解构图、光影与叙事。获聘特约摄影师后，将珍惜这一平台、多沉到一线，把镜头对准身边的发展变化与平凡人物，努力创作有温度、有筋骨、有质感的作品，讲好职教故事、讲好地方故事；同时把杂志社的专业资源引入课堂，让更多青年学生在光影之间开阔视野、增长本领。

此次受聘，是我校深化"双师型"教师队伍建设、推进专业内涵发展的一次具体体现。下一步，王谦美术摄影大师工作室将以此为契机，持续提升创作与教学水平，积极对接行业平台，努力把工作室建成师生共同成长的影像实践高地。

摄影家镜头里的点线面

Tue, 06 Oct 2026 09:20:28 +0800

01 提取建筑中的几何元素

观察与想象是创意的基础

线条是建筑最基础的构造，不同的线条代表着不同的框架和逻辑，摄影师巧妙运用，可以让建筑摄影脱离平庸。

△直线元素

△曲线元素

直线元素，能够突出画面中的亮点，拉近观众与建筑的距离，在我拍摄的照片中，地铁扶梯、大厦立柱、窗框，就是直线元素的代表；而曲线，能够平缓视觉，给画面增添柔美、高雅之感，多出现在楼道、建筑内部的穹顶……

△成都大熊猫繁育基地的瞭望塔

线条组成画面后，所有建筑都能用几何元素进行解读：方形、圆形、梯形、三角形等，在一定的视角下，世界仿佛变成了七巧板，有趣而又神奇。这时，摄影不再是一种记录和旁观，而是能糅合不同的创意，在我看来，这种乐趣是其他摄影题材无法拥有的。

△厦门“麻花楼”

当阳光投射到外立面时，建筑一半在明一半在暗，我赶紧按下快门，给其中某个旋转角度一个特写，一块块方形从暗处向着光的方向螺旋攀升，方块虽然整齐划一，但扭动的曲线却让整个画面具有一种律动感。

02 凸显最美好的细节

不可或缺的后期加工

△四川省图书馆

如今，我定居在成都，日常的一次出行，往往能发掘这座城市的崭新视角。比如四川省图书馆的天花板，原本它是由一个个方柱构成，纹理走线古朴又整洁，我拍摄后将照片倒转，得到的图像如同竖立的木桩，有种脚踏实地汲取知识的寓意；又像是座位，人们坐下来阅读，能够平心静气。

△成都西博城地铁站

成都地铁站的细节也经过了巧妙的设计，其中一号线西博城站的天花板线条是平行的环状结构，如同一张错综复杂的网，但如果单独拍摄这些线条，总觉得缺少新意，于是我转换角度，拍摄向上的扶梯：扶梯金属的质感隐匿在黑暗中，扶手带的方向引领着人的视线，愈往上看便愈接近出口，直至看到上层敞亮的天花板设计……我想这样的构图有种向上而升、探索未知的创意。

因为成都与重庆临近，所以我也常常利用周末造访重庆。重庆被山环绕，城市建筑在起伏的地势中处处充满了魔幻的感觉。我随意穿梭在大街小巷中，寻找满意的角度，最后跟随导航前往那些著名的地标性建筑。

△重庆国泰艺术中心

比如重庆的国泰艺术中心，它建成于2013年，黑、红两色的方柱如同筷子一般交织重叠，使得整栋建筑看起来毫无规律，却又井井有条，独特的结构与色彩搭配，吸引了无数摄影爱好者。我通过中焦和长焦镜头定格每一个局部，再经过后期色调、方向的调整，在画面中找寻一种秩序感，不仅提高了照片的视觉冲击力，而且成片也能与其他摄影师的作品区分开来——那些红色的柱体仿佛被赋予了生命，每变动一个方向，就是另一种风格。

△广州花城大道交通路段

△北京银河SOHO

在创意类摄影中，后期是必不可少的。拍摄各地建筑的过程中，很多时候我会将照片结合后期，进行适当的“加工”，让它们能够无限接近我的理念和构思。如果要追求细节的极致，不能仅仅停留在按下快门成像的那一瞬间。

03 共生的人与建筑

不能分离的情感载体

建筑是一首哲理诗，伴随着人类的发展，也见证着人类的文明进程。从有建筑以来，人和建筑就是共生关系，是不能彼此分离的。我一直希望镜头中的建筑不是一栋栋钢筋混凝土的产物，而是人类感情的载体。所以很多时候，我热衷于将建筑里的空间与人结合起来，“创造”一种虚幻而有趣的景观。

△深圳大学《低头时代》

2019年的一天，我在网络上浏览过深圳大学的建筑后，觉得外置过道的宿舍楼非常有意思，便利用假期赶往深圳拍摄。然而到现场时，我才发现，单独拍出的建筑就像毫无新意的景点打卡照片，而且最初所选的机位应该有很多人都拍过，如何拍出与众不同的照片是我要考虑的问题。

经过一段时间的细心观察，我发现来往于宿舍楼的学生都有一个共同点——低头玩手机，如果固定好机位，拍摄下每一层楼经过的玩手机的人，再合成在一张照片里，这就不是单一地记录建筑了，而是加入了社会现状的映射，能够带给观者一定程度上的视觉震撼和思考。确定好拍摄方向后，我在这里守候了多时，一连拍下7人的照片，最终合成一张《低头时代》：过道被划分成一个个方框，框住了每一个注视手机屏幕、匆匆走过的人。

△成都春熙路某一扇橱窗

△成都街头

当人与建筑结合时，采用框架构图是常用的一种方式，利用窗户、门框、缝隙等，将人物放进框架中，这时“框”往往能够突出主体，营造氛围，挡住杂乱的背景。

△成都大熊猫繁育基地二期

在全民摄影的年代，雷同的照片无法避免。但是，在同样的场景下，可以有不同的拍摄视角、思路理念、后期处理方式……只有多思考，才能与众不同。